艺术演出中的掌声看似顺理成章的现象，可是你想，为什么世界各国的观众都要以掌声表达自己的感情呢？这是一种巧合？还是一种人为规范？关于鼓掌的起源已不可考，关于掌声在古典音乐会上的各种现象却引发了一些话题。
衡量一场演出的成败，除了舞台上艺术家的水平外，台下观众的反应同样也是不可忽视的一个因素。近几年，不断有世界名家、名团来华访问演出， 却很少见到他们在中国的演出实况被做成音像制品在全球范围发行，其中也许牵扯到版权问题，但中国观众在整个演出中的表现是否也会成为一种无法遮掩的遗憾呢？这恐怕也要从东西方文化背景和习惯上找找原因。中国传统戏园子里的拍手、叫好古已有之，此外还有聊天、喝茶、嗑瓜子等习惯，这本是一种无可厚非的文化现象，要是没有反而不自然，但如果把这些习惯原封不动带到古典音乐会上，其后果可想而知。
并不是说古典音乐的演出有史以来都是井然有序的，其实在西方音乐史上，观众的反应、剧场的秩序同样有个演变过程。“交响曲之父”海顿正是看到台下的贵妇人打盹的蠢态后，才萌发了《“惊愕”交响曲》的创意。即便在浪漫主义时代，音乐会的演出往往还是带有明显的沙龙性质，曲目构成也相对随意，艺术家即兴表演的成分占有较大比例，而观众群体更是鱼龙混杂。音乐会更多的是—个娱乐和社交的场所，演出过程中的交头接耳、乐章之间胡乱鼓掌的现象绝不是什么新鲜事。比如肖邦的两首钢琴协奏曲都是在1830年首演干华沙，今天看来如此重要的演出，当时居然都没有连续演奏，而是在一、二乐章之间穿插了其他作曲家的曲目，这样的演出无论整体效果还是观众的反应都不可能达到很高的质量。针对音乐会的这种涣散现象，当时不少音乐家做出了呼吁，更有人身体力行地从自己的作品人手，用音乐本身来引导观众，自然而然地维持了演出的秩序，这方面贡献比较突出的要算门德尔松。在他著名的《E小凋小提琴协奏曲》中，作曲家大胆地采用了三个乐章不间断的演奏方式，特别是在第一乐章结尾处，和声将近熄灭时由大管引出了第一乐章的序奏，如此自然的衔接过渡，既没有影响各个乐章的性格，同时避免了观众的干扰，把整部作品编织得浑然天成。这一手法在当时的音乐界和观众中也引起了一定的反响，在后来创作《苏格兰交响曲》时，门德尔松再一次明文标注：“全曲各个乐章不中断，连续演奏。”此后门德尔松写的两首钢琴协奏曲也是采取了同样形式。门德尔松的苦心却很难引导今天的观众做出正确的判断，因为今天音乐的传播更多的是依赖于媒体的中介。笔者大致查阅了门德尔松的这四部作品的音像制品，几乎所有录音都是乐章之间有间断的，除《小提琴协奏曲》外，其他三部作品则不容易体会到全曲的完整性，这样的例子在歌剧、芭蕾录音中更是屡见不鲜。看来，现代化的音像技术除了具有普及功效外，可能还刻板地平添了几分误导作用。
那么；当我们抛开录音，走进现场，切身感受音乐会时，又应该如何掌握鼓掌的时机? 怎样用自己的掌声表达感情呢？
乐章间的掌声，不消说是要绝对禁止的。
古典音乐中存在各种器乐体裁，我们常见的多乐章作品，比如奏鸣曲、交响曲、协奏曲都属于套曲体裁，套曲的每个乐章相对独立，音乐性质各不相同，乐章之间的停顿仅仅代表结构的转换，用于划分上个乐章的结束和下个乐章的开始，并没有整体休息或是提示鼓掌的意思，这一点属于基本常识，可这个问题我国观众至今没有解决。
为什么不能鼓掌？首先，一部音乐作品必须具备完整性，乐章的停顿也是音乐的组成部分，如果加入掌声无异于人为地破坏了音乐的完整性，正所谓“一条鱼搅得满锅腥”，更有些激进的看法认为这是对艺术的亵渎；其次，乐章间短暂的停顿还可以使演员调整心态，更好地进入下面的演出，而莫名其妙的掌声将直接干扰演员的注意力，使演出尴尬、进而怀疑观众的欣赏水平、如果把这种情绪带到之后的表演中去，势必影响演出的整体质量。 | 
